不論博物館或畫廊，攝影展覽的牆身大多以白色為主，尤其是黑白照片，更適宜以白色背景來凸顯作品。正在F11攝影博物館展出的《Ilse Bing – Paris and Beyond》則摒棄這種規條，以紅白藍及灰色的牆身呈現攝影師跌宕起伏的一生。
誠然，白色牆身感覺低調、平淡，往往容易令人忽略牆身顏色對作品展示的重要性。眾所周知，顏色是有象徵意義的，不同顏色的牆身，正是了解已故徠卡女王Ilse Bing展覽的關鍵。她雖然成長於德國、大半生居於美國，但攝影生涯中最精采的黃金十年，卻是在巴黎度過的。為突出她在法國時期的玫瑰人生，展覽空間借用象徵法國的紅白藍三色，藍色及白色牆身展示不同主題的作品，有趣之處在於展覽不見國旗上的鮮豔紅色，而是用上一種帶有些許灰色的粉紅色。畢竟，她並非熱情奔放的烈女，含蓄柔和的粉紅色，或許才更適合她，而灰色，自然象徵着低落及傷心。
展覽開頭以灰色牆身呈現作品，彷彿正暗示她初到巴黎時的不愉快經歷。當時Ilse Bing放棄博士學位，毅然到巴黎成為自由攝影師，在傳統藝術及男性為主導的社會裏，一名女子以嶄新的藝術形式闖出一片天，談何容易。據悉她的家人對此甚為不滿，在巴黎無依無靠的她，透過拍攝自己孤獨的影子，流露出這種感受，而灰色的牆身，無疑加強這種觀感。幸好，她的攝影事業很快得到肯定，攝影手法也有所突破，白色牆上的作品，就是她中途曝光及多重曝光的作品，以突出她的前衞攝影手法。
牆身顏色的改變，某程度象徵着Ilse Bing心態上的變化，身為猶太人的她，因逃離納粹迫害而逃離至美國，即使她在二戰後曾重返巴黎拍攝，然而照片的感覺仍是比較抽離及孤寂的，因此在一樓空間展出的這些照片，同樣以灰色牆身來呈現這種感覺。
牆身顏色固然重要，然而牆上的彼岸花圖案，更是點睛之處，這不單純因為Ilse Bing曾經拍攝過，還因它背後的意義。彼岸花又稱曼珠沙華，是傳說中盛開在黃泉之路的花朵，意味着離別、重生。這與Ilse Bing的人生軌迹正好不謀而合，她的一生經歷過兩次離別，第一次是離鄉別井來到巴黎，在那裏找到生命的熱情，展覽以彼岸花圖案及她在巴黎鐵塔拍攝的照片拉開序幕，寓意她的攝影人生就是由此開始。第二次是逃離集中營後前往美國，重新開始另一種生活，展覽以她一九五三年在紐約拍攝的彼岸花為引子，呈現她在巴黎以外拍攝的照片，同樣有異曲同工之妙。
若細心留意年份，會發現作品並非完全以線性排列，然而相片之間卻是有直接或間接關聯的。在藍色牆身裏，有一幅一九二九年在法蘭克福拍攝的舞者照片，這幅照片與她一九三一年在巴黎紅磨坊拍攝的康康舞者，無疑有承上啟下的關聯；紅磨坊舞者的照片備受賞識，她因而被邀請拍攝芭蕾舞劇—相比起以年份來展示作品，這樣更易了解其創作脈絡。另一有趣之處，是某些作品相框內的留白位置特意用上粉紅色，而且相片並非完全置放中間展示，有時甚至是上下並排，或許令人覺得跳脫。
這種展示手法在攝影展覽很罕見，然而站在觀眾的角度而言，這種展示方法的位置，的確更符合觀看的視角。另一層意義是，Ilse Bing並非墨守成規的攝影師，她經常有大膽的嘗試，如果展覽以這種展示方法來加強她的這種觀感，自然是無可厚非的。
F11攝影博物館的展覽向來有心思，去年展出荷蘭攝影師Ed van der Elsken拍攝一九六〇年代的香港照片時，展覽現場不但有小盒子還原舊時的乾貨氣味，還有蕭叔叔英式口音的磁性英文錄音介紹作品，以重現當年的氛圍。這次則透過牆上不同字體的文字，令觀眾從另一角度了解攝影師，有的是別人對她的評價，而手寫字體的文字則是她自己的心聲，例如那幅彼岸花照片旁邊寫着”Everything moves, nothing stays, and I should not hold on.”，牆上這些文字，正是了解其作品及心路歷程的窗口。
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