多媒體設計組合WARE　創作不是為了「打卡」　

多媒體設計（multimedia design）經常運用到最新，甚至尚未在坊間普及的科技，突破傳統創作媒介的界限，但在日新月異的科技浪潮下，容易變成為科技服務，或純粹滿足於科技帶來的官感震撼。本地多媒體設計公司WARE的創辦人葉韋瀚（Samuel）時常提醒自己：「先要有內容，最後才去想用什麼科技。」

WARE創辦人之一葉韋瀚（Samuel）。他早前為deTour Special設計的裝置《Chromamonic》，運用偏光鏡（polarizer）製成一塊塊轉動的半透明圓片，配合背後的光源照射，會產生不同顏色和明暗效果。

多媒體設計挖掘科技的可能性

近年坊間的展覽，除了靜態地展出作品外，不少都用上多媒體元素，簡單至用手機程式掃描QR code、IG濾鏡，複雜到覆蓋整個房間的光影投射、用動態追蹤（motion tracking）根據觀眾的身體移動而令環境有所變化、互動裝置等等……似乎大眾都不再滿足於傳統的呈現手法。

WARE是香港少數專注做跨媒介設計的團隊，以上提及的都是他們的拿手好戲。如去年的微波國際新媒體藝術節，以”E.A.T.”為主題，既是進食，也解作”Experiments in Art and Technology”，由WARE負責展覽設計，他們在入口位置設計了一個如像輸送帶的動態裝置，輸送帶內有真空的粟米、藥丸、罐頭等被視為「未來食物」的東西輪流出場，當這些食物轉到主屏幕時，會顯示出該食物的原貌，WARE創辦人之一Samuel指：「坊間很多展覽入口只豎一塊佈景板和展覽簡介，但我們希望以這個裝置作為一件introduction piece，帶出展覽的主題和感覺。」

去年的微波國際新媒體藝術節展場入口裝置，真空的粟米、藥丸、罐頭等「未來食物」輪流出場。

多媒體設計常被納入為新媒體藝術範疇，但到底何謂新媒體？又或者何謂新？似乎不易說清，Samuel笑說：「人們說new media，但何謂新，何謂舊？假如你上求職網站，不少廣告聘請新媒體相關設計師，但可能那是指管理Facebook，而其實Facebook都已不算是新事物。」與其界定為「新」，他認為WARE的設計是挖掘科技的可能性，「把科技轉化成不同形式去呈現，如投影不一定用於電影，也可以加入動態追蹤、電腦程式等令其有不一樣的效果。」

舉個例，在創作的世界，程式不只是一堆數字和代碼，更是創作者用以和世界溝通的方法，Samuel提到他十分欣賞、現於城大任教的藝術家羅海德（Hector Rodriguez），「他讀傳統藝術出身，但非常沉迷電腦演算法，後期更自學寫程式，他的作品《The Uncertainty Principle》教電腦睇戲，看《一代宗師》開頭的打鬥場面，但他令其只看到雨。」在電腦的眼中，電影只剩下黑色的背景和雨，但從雨的分佈卻可隱約看見人的形態。

二〇一八年IFVA CARNIVAL的戶外裝置《不在此限》，播放香港不同年代的城市景觀和現場錄音，反映社會變遷。此作一年後在東京展出，但短短一年內，影像中不少畫面已從現實中消失。

《不在此限》一年後在東京展出，但短短一年內，影像中不少畫面已從現實中消失。（相片來源：Tokyo Arts and Space）

科技是最後的考慮

Samuel於城市大學創意媒體學院就讀時開始接觸多媒體設計，他笑言自己讀理科出身，從來沒有想過做跟設計和藝術相關的工作，「我到了很後期才知道自己想做什麼，我不是那種自小會拆開個收音機研究的人，沒有那麼戲劇性（笑）。最多是喜歡看舊的電影和音樂錄像。」他原意讀電影相關的課程，但後來做得更多是其他媒介，寫程式、做裝置、設計空間等，不一而足。

畢業後，Samuel於藝術家吳子昆創辦的多媒體設計公司yU+co Lab工作，並於二〇一四年與拍檔創立WARE。問到新媒體設計跟傳統設計範疇的分別，他答得直接：「其實分別不大，譬如平面設計師很熟悉印刷和紙張，而我們會比較熟悉器材和技術，但背後的mentality是相同的……唯一的分別可能是我們的創作無太多樣板化（template）的東西可跟從，因太多不同的形式，這次是寫手機程式，下次是設計一個沉浸式的空間（immersive space），或裝置設計，全都要從頭開始。這類設計往往需要花很多時間在技術上的測試身上。」

近作《感應流水》與藝術家林彥卓（Rick）合作，裝置上的流水會隨着觀眾的面部表情而變化。

如何把日新月異的科技應用於設計和藝術上，卻不至於被科技潮流牽着鼻子走，甚至成為科技奴隸，只重形式而忽視內容，對於創作人而言，是個挑戰。對Samuel而言，他很清晰認定科技永遠在內容之後：「新媒體設計很依賴現有的科技，像以前流行kinetic，近年則流行VR/AR，潮流一浪接一浪，變化很快……但科技的出現，只是提供多一個選擇，而是否選擇它，取決於想說的故事和內容（content），從故事出發，最後才去想用做什麼技術將之呈現。有時候可能很簡單的方法，便能解決問題，或者能夠表達得更好。」

如他早前在PMQ的deTour Special中展出的裝置《Chromamonic》，便以新的形式應用既有技術。配合”NEW OLD.OLD NEW”的主題，他運用電視和相機常用到的偏光鏡（polarizer），製成一塊塊轉動的半透明圓片，背後有移動的光源照射，當兩塊或以上的圓片交疊時，會產生時明時暗，時虛時實的效果，顏色亦會有細微變化，「我想嘗試以新的方式呈現偏光鏡這普及已久的科技。」他又刻意令裝置的節奏放慢，打破新媒體裝置予人的既定印象，「很多時候新媒體設計作品追求強烈的視覺震撼，整個空間充斥着無數畫面，但我們想轉個角度，把步伐調慢。」新，不一定容不下慢。

他早前為deTour Special設計的裝置《Chromamonic》

虛擬存於真實

科技快速演進，近年愈來愈多人鑽研machine learning，以及生物科技，並將之融入創作之中。多媒體創作人不時以作品去批判科技本身，或思考人與科技的關係，甚至不少「踩界」之作，挑戰科技的道德底線，如Samuel提到美國藝術家Heather Dewey-Hagborg的具爭議性作品《Stranger Visions》，她在街頭抽取頭髮、香口膠、煙頭等的DNA，從而推算出物主的容貌，批判監控技術。

在Samuel的作品之中，則不時看到虛擬與現實的交疊。對他而言，科技不應抽離現實，而應與實體世界連結，WARE的設計當中往往都牽涉到實物，而只是用一個熒幕和虛擬影像了事，如二〇一七年於台北白晝之夜展出的《凋零中的盛放》，一個偌大的屏幕投射出一列列不同的花卉，配合感應器，花卉會隨着觀眾的手的擺動而開花或枯萎，但花的影像是逐朵花縮時拍攝，而非電腦製作的動畫，以呈現花兒真實的生命周期。他又指，不少新媒體設計只着重影像上的衝擊，但他總是把自己設計的空間想成一趟「旅程」，着重觀眾的感受，身體與環境的互動，要用雙腳一步步去行，在不同位置有不同的經歷，「不只是有視覺刺激，讓人打個卡便算，而是用整個旅程去講故事。」

二〇一七年於台北白晝之夜展出的《凋零中的盛放》，屏幕上的花卉會隨着觀眾的手的擺動而開花或枯萎，展現花卉的生命周期。

梁基爵與蔡明亮合作的多媒體音樂會「一零」，由WARE負責演出的媒體設計（media design），帶來結合影像和音樂的體驗。