今日的西九文化區，經九十年代在維港填海造地而得。在這片無中生有的土地上建成，M+大樓宏偉巨大，總面積達65000平方米、展覽空間佔17000平方米，規模非其他本地博物館可以比擬。從正門進入博物館大堂，中央採光井貫通各樓層，再加上樓底高曠的設計，自會體驗到室內空間之寬廣和大器。深入各個展廳，從認識香港視覺文化發展，到欣賞世界當代藝術，更是目不睱給。
M+開幕首年，任何人皆可免費入場，親眼看看這耗時十多年、花費數十億港元建立的博物館及其館藏，評估公帑是否用得其所。然而，館內設施眾多，除了33個展廳和三間戲院，還有多媒體中心、學舍、商店餐廳、天台花園等，一天時間絕不足以完全細味M+。因應疫情，訪客參觀M+前亦需預約，博物館亦限制同一時間參觀人數不多於6000人。
在接近8000件M+作品館藏及檔案中，M+的開幕展覽會展出約1500件。六大開幕展覽包括《香港：此地彼方》、《M+希克藏品：從大革命到全球化》、《物件．空間．互動》、《個體．源流．表現》、《安東尼‧葛姆雷：亞洲土地》及《博物館之夢》，其中以前兩者最為重要。這六大展覽，各有主題，聚焦不同時地的視覺文化、當代藝術、建築設計，以及個別藝術家，反映M+館藏的多樣特色。
《香港：此地彼方》 探索香港戰後視覺文化
以香港自一九六○年代至今的視覺文化演變為主題的《香港：此地彼方》，位於博物館的地下大堂展廳。甫踏進M+，入口旁邊便是《香港：此地彼方》展廳，如此安排，自然是把M+這座博物館與城市扣連，並彰顯博物館從香港出發，收藏及展示視覺文化之獨特定位。
《香港：此地彼方》從藝術、建築、設計、電影、動畫甚或電子遊戲等多種視覺媒介，講述香港自一九六○年代起的視覺文化發展故事，探索具香港特質的視覺文化元素。一般而言，一小時內應可看畢整個展覽，展品旁大多沒有附上文字解說，主要是以展品的鋪陳擺設和互相聯繫，形塑讓參觀者自行理解的詮釋空間。
「如何將那麼多不同類型的展品放在一起，然後講出一個故事，是最具挑戰性的地方。」M+香港視覺文化策展人彭綺雲表示，選擇以戰後六○年代為起點，訴說香港視覺文化故事，是因為那時一個朝氣勃勃的年代，其時藝術方面有新水墨運動實驗，平面設計方面有許敬雅（Arthur Hacker）加入政府新聞處推動革新公共傳訊美學，建築方面也有爐峰塔（老襯亭）等有現代主義色彩的項目建設，各個領域都有一番新氣象。
展覽分為「此地」、「身分認同」、「地方」、「彼方」四章，四章順着參觀路線先後接連。甫入展廳，看到的首份作品是「九龍皇帝」曾灶財塗鴉題字的一對門，後見呂壽琨、王無邪、靳埭強的「新水墨運動」畫作，屬「此地」展區，旨在呈現香港不同世代的藝術家在地藝術創作的種種思考和感悟。到「身份認同」章節，則見有政府新聞處創作總監許敬雅的「垃圾蟲」清潔香港運動海報，著名設計師陳幼堅和黃炳培的平面設計作品等，透露了他們的個人視野和觀察力，也展現社會不同階段流行的視覺語言。接下來的「地方」展區，以相片、模型、文獻等展品，介紹九龍寨城、力寶中心及政府總部等新舊地標，折射城市變遷和建築特色。展覽以「彼方」展區作結，此處展示了以香港城市景色為主題的電子遊戲，獨特地演繹香港形象的電影和動畫，側寫香港的生活百態，以及香港人的故事和創意產業。
展覽沒有提出尖銳的主張，也沒有作品顯然與近十年的本地社會運動有關，但較多觸及到香港的土地空間議題。「地方」一章中，展出了攝影師Michael Wolf著名作品《建築密度 #8b》，拍攝彩虹邨樓宇色彩繽紛外牆，牆上緊接相鄰的窗戶反映香港公屋人煙稠密的生活環境。而在M+為展覽特意委約創作的三份作品中，撇除動畫家江康泉的《海市鏡花》，張智強的《變形蝸居》及 Adam Snow Frampton、Cyrus Peñarroyo、Jonathan D. Solomon、汪嘉詠合建的《懸浮城市》，都在回應土地空間議題。《變形蝸居》是互動式裝置，讓觀眾體驗在細小的住宅裏，如何透過可移動牆壁和多功能家具解決住屋空間問題，《懸浮城市》則是建築模型，凸顯金鐘至中上環天橋延連不斷的都市空間特點。
概觀整個展覽，採取了涵蓋藝術品、流動影像、現成物、印刷刊物、文獻的策展方式，帶出M+是「視覺文化博物館」而非「美術館」的定位。策展人彭綺雲希望，今次展覽能夠讓觀眾多認識香港的視覺文化發展，繼而更常留意日常身邊不同範疇的視覺文化事物，不論藝術、建築或設計，「都應該平等地欣賞香港視覺文化。」
傳媒預展時，彭綺雲被問到有沒有展品本來有意放入展覽後來卻無法展示，她答道，「展覽在很多年前起已經開始策劃，很多東西在我們搬入博物館前已經決定好，除了一些因為空間不夠大而所做的微調，沒有任何改動。有些事情需要改動，單純是出於實際原因。」而館藏內尚有許多作品，有待未來新展展出。「今天展不到，明天能否展出？不太擔心。」
《M+希克藏品：從大革命到全球化》 紅線內的展示空間
在《香港：此地彼方》之外，M+另一備受矚目開幕展，必然是位於二樓希克展廳、根據烏利希克捐贈予M+的大批藏品策劃的《M+希克藏品：從大革命到全球化》。
烏利希克以商人、外交官、當代藝術收藏家身份，在中國工作生活逾三十年時間。九十年代，希克發現沒有收藏家或機構有系統地收藏中國當代藝術品後，於是決定以呈現中國實驗藝術發展的目標，採取機構的方式而非根據個人品味購藏。捐贈予M+的希克藏品以此宗旨建立，並成為今日「已知最全面的中國當代藝術紀錄」。最早期的作品可追溯至文化大革命期間，其後有「無名畫會」的作品，也涵蓋一九七九年至二○一二年初的中國當代藝術作品。
二○一二年，M+成功游說烏利希克捐贈他數十年間收集、映照一九七○年代至二○一二年中國當代藝術發展的1463件作品予博物館，並更多向烏利希克購入47件藏品。這批中國當代藝術品成為了M+的建館藏品，館藏的發展基石。時任M+行政總監李立偉（Lars Nittve）獲得這批作品時，已表明希克藏品在M+開幕時會被獨立展示，使觀眾有機會「感受領會這批藏品的完整性」。《從大革命到全球化》展覽，便是從希克藏品中挑選作品，以時序回顧中國當代藝術歷年來的變化、挑戰和實踐方法。
大半年前，希克藏品捲入爭議，被質疑其中有藏品涉嫌觸犯《國安法》，希克當時回應道「並非所有作品都適合展示公眾，但可留給藝術史家研究」，於是希克展廳開幕時會展出什麼作品，成為了新聞議題。展前，西九管理局行政總裁的馮程淑儀不願透露展覽內容，僅強調，展出什麼作品交由策展人專業決定，不認為展覽會有挑戰權威的行為，亦不希望事先審查，影響M+的國際地位。
如今希克展廳開放參觀，終於能夠根據策劃及展品本身評價展覽。《從大革命到全球化》展品豐富，分成八部分講述中國當代藝術的發展轉折，重點主題包括一九七○年代的地下藝術運動、一九八○年代的「八五新潮」，一九九○年代的後六四藝術、北京東村藝術家羣體等。展覽確有完整呈現中國當代藝術流變的意圖，而展品大多雖然並未直接挑戰國家政權，但也不免觸及「敏感事件」。如王興偉的《新北京》，則重繪攝影師劉香城的著名六四照片，荒誕地把傷者換成企鵝。大半年前引起爭議、藝術家艾未未向北京天安門豎起中指的《透視研究：天安門》，並未在目前的展覽展示，但另可找到他兩份舊作，一是裝置作品《洗白》，二是錄像《長安街》。前者是由126件陶瓶組成，部分陶瓶容器最久遠可追溯至新石器時代，艾未未把部分瓶子塗上白漆，把原本的色彩完全遮蓋。根據博物館介紹，白漆隨時日剝落，象徵「粉飾洗白不僅無法完全掩蓋過去，而且還會成為歷史的一部分」，具暗喻意味。
從普及中國當代藝術的角度出發，《從大革命到全球化》確能讓觀眾更了解當代中國藝術家在不同時期的藝術語言及命題，見證他們如何回應社會氣氛和藝術傳統，並建立個性和身份。部分展品在中國當代藝術史上有明確的獨特之處，如藝術家馮國棟畫於一九七九年的《光河》，突破了中國文化大革命期間盛行的寫實繪畫框限，以抽象形式和鮮豔色彩表現陽光照耀下的山巒。也如黃永砅一九八九年的作品《六走向的小轉盤》，提出藝術創作應交給機遇和自然，透過轉動輪盤決定構圖材料等畫作元素，與同期崇向自我表達的藝術潮流抗衡。
回到M+希克藏品的創立本意，是想中國國境內、較為自由開放的香港，擺放及展示在中國大陸未能展出的當代藝術，現在這樣的展示空間還剩多少？而時移勢易，大眾亦期望M+策劃更代表本地、以香港為本位、與香港有關聯的展覽，本地觀眾能否對希克展廳的當代中國藝術作品有所共鳴，也是M+必須考慮的問題。
《物件．空間．互動》 回顧七十年設計建築
位於二樓東展廳的《物件．空間．互動》，以過去七十年的國際設計與建築為主題，分主題和時序探討設計和建築與人類生活以至世界的互動關聯。
展廳裏有500多件家具、建築、平面藝術等作品，都是在亞洲製造或受其影響。這些設計建築工藝品，有致散落在展場各處，高低起伏，觀眾的視線不斷游走一事一物，這一刻受典雅的現代精美木椅吸引，下一刻又被任性破格的後現代設計衝擊。賞析這一大批展品，可發掘它們的美學及其社經脈絡，也可窺看它們各自處理回應的生活及社會問題。重要展品包括購藏時已引起爭議、倉俁史朗設計的「清友壽司吧」，花兩個月時間在展場中重新裝嵌；以及藝術家曹斐的《人民城寨》遊戲世界項目，探索數碼與現實世界之界線，恍似預視了「元宇宙」的發展。
《個體．源流．表現》 亞洲前衛藝術運動
《個體‧源流‧表現》展覽在二樓南展廳，着重以「亞洲視覺」探索戰後的前衛藝術運動。
展品呈現了亞洲藝術家不同年代都致力創新，嘗試以新的藝術語言表達自己的情感與經驗。展覽重點介紹了亞洲戰後的抽象畫發展、日本「具體派」發起的激進藝術實驗、移民或離散藝術家如何在海外處理自身的身份認同問題，亞洲藝術家又怎樣在世界主流外確立充滿自身特色的創作風格。從他們的作品，能看到地域之間的藝術異同。展廳內，以李明維的《魚雁計畫》裝置最突出，三個隔間放在展場，邀請觀眾前來執筆書寫，由博物館定時代為寄出。作品始於藝術家外婆離世，他寫了過百封給亡者的信件，抒發喪親之痛，繼而認定書寫的治癒力量。
《安東尼‧葛姆雷：亞洲土地》 唯一藝術家個展
在二樓西展廳的《安東尼‧葛姆雷：亞洲土地》，是M+開幕唯一聚焦個別藝術家的展覽，非常受歡迎，展覽外總是排着長龍，一般需要輪候三十分鐘或以上才能進場。
展廳內有一項由十萬計泥塑雕像組成的大型作品，由英國雕塑家Antony Gormley聯同三百多位廣東象山村村民在二○○三年花五天時間合力製作。泥塑雕像總數逾20萬個，反映中國幅員遼闊，人口眾多；二千呎的展廳只足以擺放一半雕像，但已極具懾人魅力。在雕塑外，展覽同時展出了攝影師張海兒的攝影作品，他《亞洲土地》的製作期間，記錄了每位參與村民，並與其製作的泥人配對呈現。Antony Gormley自一九八九年起創作《土地》系列，此前他曾到訪過不同地方邀請當地居民捏製泥人，而在中國造的《亞洲土地》是系列中規模最大的一份作品。
《博物館之夢》 概念藝術的想像
在二樓的合院展廳的《博物館之夢》，專門探索誕生於一九六○年代發展至今的「概念藝術」。
踏入展場，便見到大師級作品，如小野洋子的《讓釘子錘進的畫作》、概念藝術之父杜尚的「可攜帶的博物館」《手提箱裏的盒子》、 Andy Warhol的《錘子與鐮刀》，其後也有後進藝術家拓展概念藝術想像的創作，他們運用不同素材革新傳統。如金範的《青花釉下彩白瓷棘龍紋罐》以紙黏土製成白瓷罐的形狀，再用原子筆在黏土繪畫龍紋，以幾可亂真的方式造就「寶物」。展覽整體嘗試讓觀眾重新想像何謂「創作」，以新的方式體驗世界。
