【藝術三月】聚焦影片藝術 不為賣錢？ ART BASEL & ART CENTRAL

電影重新解構「科幻」，場景發生在太空，卻在說一個吸血鬼家庭的故事。（圖片由Umberto Di Marino提供）

七場放映會  公眾免費參與

除了《Vampires in Space》，一連四日在灣仔會展舉行的七場免費放映會，還會播放德國藝術家蕭崇（Sung Tieu）揭示多種暴力形式的
作品《Memory Dispute》（2017）、泰國藝術家Chulayarnnon Siriphol的半人形、半蝸牛形態的智能操作系統影片《ANG48》（2022）、中國藝術家曹澍以人工智能控制垂直農業作品《妖糖》（2023）等等。

Billy總結「光映現場」的主題為——每個主題都讓人思考影片藝術的本質、影片離不開科技的思考，以及人類的未來。

「人械合一」放映會播放五套人類和機器糾纏不清的片段和透過數碼介入的影像，讓觀眾思考科技如何重塑人類的存在。（ 圖為劉艾真2021-2022年作品《Pink Slime Caesar Shift : Electropore》，圖片由刺點畫廊提供）

交織香港流動影像

「光映現場」 亦和本地非牟利影像藝術組織「錄映太奇」（Videotage）合作策劃「The Pixelated You」（像素身影）放映會，彙集五個香港藝術家作品，包括莫頌靈、黃慧心、林穎詩、徐皓霖和劉清華的影片，片長約六十三分鐘。影片既有自主攝錄和他者創作，亦穿插虛構元素和資料重組。

Billy解說：「Videotage是代表一個非常本土的錄像藝術組織，他們以說廣東話為主，但同時我們可以用英語或其他語言作交流，這種流動和靈活使這座城市（的影片藝術）變得相當豐富。」

香港藝術家徐皓霖2024年作品《Death or something like that》，圖片由錄映太奇提供。

商業掛帥 VS 獨立藝術

說回藝術空間Para Site， 數數手指已有廿九年歷史，最初在上環開張，二○一五年搬到鰂魚涌。由於是獨立藝術機構，所以策展時往往可以
跳出「藝術商品」框架，擺脫商業制肘，從而揀選對世界提出深刻批判、甚至可稱為邊緣社會議題的作品。與被視為商業掛帥的Art Basel HK一起，感覺大纜都扯唔埋，甚至各走兩端？ Billy坦言當初獲邀策展「光映現場」時覺得是一個非常有趣的提議，「儘管他們和我們的策展方式可能有所不同，但我認為還是有一種互相支持的關係。」

他進一步闡述：「Art Basel在銷售藝術品的市場上做得很成功，但我們也漸次察覺到他們已不再是單純地專注藝術作品買賣，而是幾乎成為一個『藝術節』。在三月的整個星期裏，來自國際間各個藝術社羣都會參與其中，真正地慶祝文化藝術。」；「這是雙向的，Art Basel意識到要使一個（藝術巿場）生態系統蓬勃，便要有充滿活力的文化氣氛，而非營利組織在這個生態系統中正正扮演着至關重要的角色。而且，如果你最終沒有藝術家，那麼你就沒有東西可賣（笑），這是一種共生關係。」

動態影像更代表當代生活

而影片藝術一直是Para Site經常相處的媒介，「動態影像（moving image）雖然通常不是商品，但作為一種媒介，我認為它更能代表當代生
活，尤其是現在人們生活更依賴屏幕，一切都愈來愈數位化。這是一種能夠更好地應對這種現實複雜性的媒介。」以當下最熾熱的媒介，與當下世界溝通。

說到影片藝術在香港的發展，其實沒那麼抽象和離身，Billy說：「電影本來就是影片藝術的一種，像王家衛的電影，可能人們覺得是商業電影，但它也是一種媒介，與世界聯繫。當外國人想像香港，通常也會與電影中的香港記憶同義。這座城市與電影影像一直有着緊密的關係。」因此，影片藝術某程度上是一道橋樑，讓全世界的人「看見」香港。

加上，動態影像本來就融合電影、攝影、聲音以及表演等多種藝術形式，相比起傳統畫作更能引發觀眾的情感共鳴和深層思考。藉此，影片
作為當代人們最親密而熟悉的媒介，興許可更有效反映當代社會的一切文化現象、性別以至種族或後殖民等平等議題，成為紀錄和批判當下時代的重要工具。

Para Site執行總監兼策展人曾明俊（Billy）

ART CENTRAL 首設黑盒戲院

另外，今屆Art Central將首次在中環海濱展場中央設置一個巨型黑盒戲院「Cinema Central」，在展會進行期間不間斷播放十五個影片藝術作品，讓觀眾真正有機會觀看並參與其中。

而這次戲院的主題是《On the Shores of…》，主題方向讓人聯想到一種「邊緣」狀態，但策展人Aaditya Sathish強調影片藝術其實從不在當
代藝術的『邊緣』，因為過去一百年有不少藝術家以此作為創作方式。甚至，近年影片成為當代世界的「霸權」敘述，充斥四周，無可避免地改寫了影片於當代藝術的一席位。

影片藝術從不邊緣

Aaditya回想第一次接觸到藝術家Zineb Sedira的影片《Don’t do to her what you did to me》（1998/2001），便深深著迷。「她在作品中將一段作品標題文字”Don’t do to her what you did to me”寫在一個女人的護照照片背面，然後溶於一杯水中，墨水在水中旋轉，最後彷彿有人喝下這杯水。」

另外，他也記得數年前看過台南藝術家鄭淑麗的代表作《I.K.U.》，是關於身體與慾望的反思，同樣震撼。這作品被稱作「科幻色情片」，曾經衝擊不少觀眾。而今次，Aaditya也特別挑選了鄭淑麗的《Virus Becoming》，是從劇情長片《UKI》（2023）（就是《I.K.U.》的續集）衍生出來的三維繪圖創作。

Aaditya形容，影片藝術作為一種媒介，直接而有着實在的分量，且在今時今日，任何人都可以拍攝和創作，使之變得更易接觸。即使是相對敏感或複雜的議題，也更易讓受眾感受。「影片藝術的美，正是可模仿現實世界，同時又能創造一個只屬於自己的現實世界，這能讓我們以最奇妙的方式去產生情感連結，我相信這種聯繫也能最有力地激發同理心，讓我們更好的明白他者。」

「拍攝已毋須再依仗特別或專業器材，光用手機便可；同時，隨着藝術家對人工智能、擴增實境或虛擬實境的普及應用，這種媒介的新穎性將逐漸消失。」當再沒有對嶄新技術或技巧一種獵奇目光，不論觀眾或藝術家也好，反而，可見藝術家最真摯的創作及實在的作品內容。

其中一套會放映的影片是印度藝術家組合Raqs Media Collective二○二三年作品《e Bicyclist Who Fell Into a Time-Cone》，探討人在世界和時間中不斷糾纏的思想、事實與虛構之間搖擺所導致的感官斷裂、靜止與失控盤旋。（圖片由Jencks Foundation at e Cosmic House以及藝術家提供）

提出問題多於給予答案

《On the Shores of…》不指媒介，倒是說人類正身處邊緣或新境地，面對很多未知與新世界。而當然，藝術作品旨在提出問題，「重點不是要探求結果，而是提問。參與的藝術家以歷史反思，提出問題多於給予答案， 正是Cinema Central的目的。」Aaditya說。

值得一提是，Cinema Central也特別放映知名動態影像倡導者、香港慈善家Shane Akeroyd的精選收藏作品，每天一小時。他收藏的作品有着關乎種族、身份和性別政治等當代最迫切的議題。「放映 Shane Akeroyd收藏的原因是作品與我們策展主題互相呼應，例如其中有藝術家Stephanie Comilang作品，她通過猜疑的視角去探討香港僱傭的生活日常；另外Rei Hayama透過影像思考電影和記憶的退化等。」

最後要說，Aaditya Sathish 是一位駐港的策展人，對存在與缺席主題尤感興趣，經常提出對酷兒慾望、殖民歷史和未來想像的思考。「參展的每一個藝術家都觸及了這些問題。慾望與歷史，以及我們如何駕馭這些概念， 就是《On the Shores of…》的核心探索。」

台南藝術家鄭淑麗的代表作《I.K.U.》被稱作「科幻色情片」，引起震撼；今次上演的《Virus Becoming》是從劇情長片《UKI》（前者續集）衍生出來的三維繪圖創作。
（圖片由UKI, digital lm及藝術家提供）

印尼藝術家Riar Rizaldi三十分鐘影片作品《Mirage – Eigenstate》，探討虛實、科技與勞動等關係。（圖片由藝術家提供）