有人說當下時裝秀都喧賓奪主了，眼睛都被花俏的劇情吸去，忘記時裝秀的主要目的—欣賞服裝，不過這又能怪誰？數位時代中可能沒有多少人真正看衣服，但卻會因為一些有趣的噱頭而點個讚，繼而分享開去；不難推敲，時裝秀的設計者也一早預料到演算法帶來的影響，不論人們對時裝秀的評價孰好孰壞，只要有noise，到頭來也算是件好事。
時尚噱頭的演化
訂製服大師 Paul Poiret在一九一一年舉辦的《一千零二夜》變裝舞會，說來也是天馬行空，他的太太穿了一件金色鳥籠裝盛裝出席，極盡奢華，也要求參與者穿上最精美的衣服過來，最終催生了時裝展的誕生，這種絞盡腦汁的吸睛策略，又豈止是現今的產物？台灣Facebook及Instagram專頁「時尚編輯的真心話」背後的「時編」也認為，誇張的表達手法並非近年才出現的橋段：「我覺得有分等級的演化，早幾年是像Alexander McQueen的機器手臂向模特兒的裙子噴漆（SS1999）、《Voss》系列模特兒在空間中遊蕩（SS2001）、Kate Moss投影在半空中（FW2006）、Balenciaga的風雪天場景（FW2002）、泥漿水窪場景（SS2023）、Moschino的益智估價節目（FW2019）、戲劇性燒裙子（FW2019）、Gucci的手拎人頭（FW2018）、走秀途中突然停電（SS2020），甚至Chanel的場景變化也都是話題。不過這些秀上的特殊安排、效果，還是看得出來是在為秀和設計本身服務。要說近幾年Coperni、AVAVAV的這種模式和以往的差異，應該是動作更大，給人噱頭反客為主的感覺。」
他們真的有想要大家關注服裝本身嗎？
在「時編」的眼中，以秀場的表達方式而言，印象最深的時裝秀是Rick Owens（SS2016）、Gucci（SS2020）和Coperni（SS2023）：「近期最常用這些手法的應該就是法國新銳品牌Coperni和意大利品牌AVAVAV吧。」的確，AVAVAV不論是今季的狂丟垃圾到模特兒身上，還是上季的”No time to design, no time to explain”主題、讓模特兒穿著半成品倉促地被推上T台，都讓人過目不忘，設計師希望藉此表達出時尚行業的緊湊和無力感，但這又真的能傳遞到觀眾身上嗎？還是讓人忽略了服裝？「時編」認為，她會先探究這些設計師們可能的動機：「他們真的有想要大家關注服裝本身嗎？如果沒有，其實也很輕易可以從設計中看出來。如果有，或許也有點太過專注材質的創新、研發，而造成在表現手法太誇張的情況下，導致喧賓奪主。」
在表達理念和被噱頭反客為主之間，設計師和團隊必須小心翼翼，否則會落入「兩頭唔到岸」的狀態，如今的時裝秀，又是為了抖音、Instagram等而打造的嗎？「一半一半吧！我相信一定有人是在企劃時裝秀，甚至是服裝本身的階段就已經把Social Media 考慮進去。T台上的花招，目前我覺得還沒有到無法忍受的地步。 」
「時編」認為，時裝秀是一個更全面呈現設計師和品牌理念的一個載體：「就像一部電影不能只有導演、演員、服裝，還需要場景、劇本、配樂等等，一場由眾多細節組成的完整的秀，讓服裝設計更完滿。」或者有些秀場的表達手法，未必是我們能苟同的，但隨着時間一直推移，我們對這些時裝秀的印象卻仍刻在腦海中，多年後依然會找到它的討論點；要是將T台當成一個另類的舞台，將時尚視為一件藝術品，可能我們就能敞開心擁抱每一場秀。